Verskeie

Barbara Ghisi - kunstenaar - haar werke

Barbara Ghisi - kunstenaar - haar werke


KUNS EN OMGEWING

Barbara Ghisi, die werke

Waterman

«Die seebodem, 'n voorstelling van ondergedompelde en onbekende wêrelde, verteenwoordig die plekke van die siel. Elke werk is 'n introspektiewe reis op soek na jouself.Titel: Waterman
Tegniek: Olieverf op doek
Afmetings: 100 x 120 cm
Jaar: 2011

KYK na die ander werke van BARBARA GHISI

As u 'n kunstenaar is en u werke op hierdie webwerf wil publiseer, skryf dit na die adres [email protected]


Wie was Barbara Hepworth

Barbara Hepworth was 'n Engelse kunstenaar wat veral bekend was vir haar beeldhouwerke, wat beskou word as die eerste abstrakte werke in die geskiedenis van Engelse kuns. Vandag word Barbara Hepworth deur Google gevier met 'n doodle omdat sy op 25 Augustus 1939, een-en-tagtig jaar gelede, verhuis het na St. Ives, 'n klein dorpie aan die suidkus van Engeland, waar sy haar eie ateljee gebou en vir die die res van haar lewe.

Barbara Hepworth is in 1903 in Wakefield, West Yorkshire, gebore. Haar vader was 'n ingenieur en het haar toegelaat om eers 'n studie aan die Leeds School of Art te verwerf en daarna aan die Royal College of Art in Londen. Op daardie stadium het Barbara Hepworth 'n nuwe tegniek vir haar tyd geleer: die gekose materiaal direk beeldhou sonder om voorbereidende modelle te bou. In 1924 trou sy met die kunstenaar John Skeaping, aan wie sy verbonde bly tot 1931. In 1932 begin sy 'n verhouding met die skilder Ben Nicholson, met wie sy verskeie reise deur Europa onderneem het, waartydens sy in aanraking kom met kuns deur Mondrian, Braques. , Picasso en Brancusi.

Corinthos, werk van Barbara Hepworth uitgestal in die Tate in Liverpool, 1954-1955 (Wikimedia Commons)

Hepworth het inspirasie by hierdie kunstenaars geput en in die dertigerjare het hy hom op abstrakte vorms toegespits en internasionaal bekendheid verwerf: in 1950 het hy sy land op die Biënnale in Venesië verteenwoordig, in 1959 het hy die eerste prys op die San Paolo Biënnale verower en in 1965 was daar 'n terugblik op sy werk in die Kröller-Müller Museum in Nederland.

Ondanks die feit dat sy 'n belangrike rol kon speel in 'n wêreld wat deur mans oorheers word, was Barbara Hepworth nooit 'n feministiese militant nie, en het sy ook nie geslagsrolle in haar werke ondersoek nie. Sy het bloot tydens haar artistieke lewe gevra om as 'n "beeldhouer" en nie as 'n "beeldhouer" behandel te word nie. Die webwerf van die Tate Modern in Londen vat die betekenis van sy artistieke produksie as volg saam: «Al het dit te doen met vorms en abstraksie, gaan Hepworth se kuns hoofsaaklik oor verhoudings: nie net tussen twee vorms wat mekaar aan mekaar plaas nie, maar tussen die menslike figuur en die omliggende landskap, tussen kleur en samestelling, en bowenal tussen mense op individuele en sosiale vlak ».


ROBERTA DIAZZI - KRISTALDROME

Zanini Arte nooi u graag uit by die volgende Vernissage van die PERSOONLIKE UITSTALLING van ROBERTA DIAZZI, KRISTALE DROME geredigeer deur BARBARA GHISI. Die geleentheid word gehou SATERDAG 18 NOVEMBER om 18:00 in die Galleria di VIA VIRGILIO 7 a SAN BENEDETTO PO (MN), met die beskerming van die gemeente San Benedetto Po.

Galleria Zanini Arte het die plesier en die eer om die tentoonstelling "Crystal Dreams" deur Roberta Diazzi, vars wenner van die "Leone d'oro" -toekenning, in sy sale aan te bied tydens die groot gala van Arte Cinema e Impresa deur Fondazione Mazzoleni as opkomende kunstenaar 2017. Die artistieke poëtika van Roberta was altyd gebaseer op die tweerigtingverhouding tussen voorwerp en konsep, aanvanklik naby die taal van Amerikaanse popkuns, en word daarna omskep deur die gebruik van gesertifiseerde Swarovski-kristalle, met verskillende diameters om energie en krag te gee aan die komposisie. 'N Lang ondersoek na materiale en hul oneindige moontlikhede het daartoe gelei dat die kunstenaar 'n oorspronklike, ekspressiewe en sintetiese taal ontwikkel, waardeur hy lewe en vorm gee aan denke en nadenke. In die werke van Roberta Diazzi word alles grasieus beskou en kosbaar. Dit is 'n kosbaarheid wat gespeel word in die vereniging tussen 'n antieke aksie gebaseer op 'n vervaardiging ver van die gejaagde tye van die huidige wêreld, en die werke self. Werke wat verskyn as 'n sigbare getuienis van 'n belangrike passie, sorgvuldig verwerk in elke reliëf wat deur die kristal verleen word, elke oppervlakkige variasie wat 'n presiese plek inneem om 'n harmonieuse algehele telling te skep. Deur die hande van die kunstenaar te gaan, word die styfheid van die Swarvoski-klip lewendig, kry sy vorm, verander in die sagte warmte van krommes, van kronkelende spirale wat figure vorm van die dierewêreld, of beelde wat spreek van lewende lewens. 'N Siel van suggestiewe en intense gloed wat die werke toon as dit deur die lig getref word, as 'n openbaring van 'n verborge vitaliteit, verborge en gereed om te ontplof met die chromatiese krag van 'n bonatuurlike voorkoms. Roberta Diazzi moet met kristalle 'n deurlopende en ononderbroke kreatiewe vloei ondersteun: 'n weerkaatsing val op die deursigtigheid van die plexiglas as 'n onverwagte beeld en herinner ons daaraan om ons deur die lug van die verbeelding te laat druk.

Die elegansie en verfyning van die kunswerk.

Die artistieke en uitstallingspad wat Roberta Diazzi in 'n paar jaar gemaak het, is verbasend. Maar nog meer verbasend is die doelwitte wat die Modenese kunstenaar deur meritokrasie met sy eie middele bereik het. Opvallend is die konsekwentheid waarmee hy mettertyd 'n persoonlike styl nagestreef het, terwyl die materiaal en temas van die onderwerpe wat uitgebeeld word, wissel. Sommige kritici bevestig dat die kunsgeskiedenis bestaan ​​uit die opeenvolging van bewegings en tale, waaruit die eensame ervarings van innoverende kunstenaars blyk. Dit dra by tot die oorspronklike bydrae van nuwe tegnieke en style, wat egter nie maklik interpreteerbaar of haalbaar is nie, maar uniek bly ten opsigte van innovasie en bereikte kwaliteit. Dit is die geval van Roberta Diazzi! Sy werke, wat op die oog af eenvoudig lyk, is eerder die resultaat van 'n soeke na kosbare en duur materiale wat nie vir almal maklik beskikbaar is nie, en daarom is dit ook gesog deur die rykste en veeleisendste klante. Om te vergoed vir daardie onrustige en kontemporêre gees van 'n samelewing wat altyd nuwe begeertes oplê, en drome wat toenemend versterk word. Hul elegante en moeilike rangskikking in die werk is danksy 'n lang ervaring, stap vir stap verryk en verfyn. Swarovski-kristalle van verskillende groottes en kleure is die absolute protagoniste van sy gesogte werke. Van 2011 af vorm hierdie kosbare en reflekterende materiaal sy skeppings heeltemal. Met maatreëls tussen 4 en 'n halwe millimeter in deursnee, om selfs die kleinste ruimtes van die verwerkte oppervlak te kan bedek, breek dit af en weerkaats ligte en kleure, wat die onderwerp vibrasie en lewendigheid gee. Elke werk word ook vergesel deur 'n sertifikaat van egtheid van die Swarovski-kristalle. Lig is nodig vir die genot van die werk. As dit direk of raaklynig is, skep dit weerkaatsings of skaduwees wat die visie verander, wat die beweeglikheid en dinamiek van die vorms beklemtoon. Die beeld word dan geïntegreer en voltooi deur persoonlike sensitiwiteit en persepsie. Haar werke leef deur verskillende gedeeltes: die fotografiese beeld wat die kunstenaar afbreek om tekeninge te teken waaraan sy self toneelstukke van lig en donker toeskryf, sterk kleure en sagte kleure, toneelstukke van skaduwees en lig. Die tekeninge word dan oorgedra met die sagte vryhandpotlood op die steun. Selfs die oppervlak waarop die kristalle aangebring word, is die resultaat van 'n lang soeke na materiale om hul kosbaarheid tot die negende graad te verhoog. Dit is die swart plexiglas. Glansplanke wat die lig- en tonebreking verhoog tot die punt om 'n tweede gereflekteerde werk te herskep. 'N Siel verborge tussen duisternis en lig wat na vore kom op grond van die posisie van die waarnemer. Oorvleuelende en multisintuiglike betekenisse, ook vir werke wat benewens gesien kan word, kan ook aangeraak word. En deur aanraking, soos lig, gaan die siel van die kyker binne. Navorsing, elegansie en professionaliteit onderskei dus die werk van hierdie kunstenaar, nederig en eenvoudig in sy wese, maar taai en volhardend in sy doelwitte. Vanuit die soliede fondamente van spesialisering in grafiese tegnieke wat by die "Venturi" kunsinstituut in haar stad bereik is, kon sy die kommunikatiewe onmiddellikheid van die teken gebruik deur die Pop Art-tegniek. Elegansie van die beelde, hetsy in kleur of in kleur skakerings van grys tussen wit en swart. Die plesier van die estetiese visie wat saamsmelt met die onmiddellike onderwerp van die onderwerp, wat die eksklusiewe karakter van die unieke kunswerk behou. Dit is nie toevallig dat mense van die kaliber van Luciano Pavarotti of lede van die Ferrari-familie 'n portret van sy hand wou hê nie. En die portrette van hierdie kunstenaar gaan verder as sielkundige gegewens en gee ons menslike en realistiese beelde ondergeskik aan die behoefte aan vorm. Die illustere prinses Caroline van Monaco het die verfyning van Diazzi se werke erken en beloon en een van haar werke vir haarself gehou. Maar nie net nie! Die prestige van hierdie kunstenaar is ook in die buiteland erken, soveel so dat die Chinese presidentsvrou Peng Liyuan 'n portret van haar wou hê, volledig uitgewerk met 4800 Swarovski-kristalle. Na aanleiding van nasionale en internasionale kunsbeurse het haar protagonis gesien. Om hierdie belangrike verbintenis te bekroon, word sy in September 2017 in Venesië deur die stigting Mazzoleni met die "Golden Lion as an emerging artist 2017" bekroon. Daarom, as Roberta Diazzi op die eerste oogopslag 'n eenvoudige dekoratiewe kunstenaar kan wees, is daar die diepte van 'n pad wat sy wortels het in die ervaring van 'n hedendaagse, intelligente en sensitiewe kreatiewe gees, wat bestem is om homself te vernuwe. om voortdurend die maksimum ekspressiewe lading in kuns te ondersoek.

Die kunstenaar

Roberta Diazzi is 'n kunstenaar uit Modene. Sy studeer af aan die A. Venturi Art Institute met 'n grafiese agtergrond in advertensies. Hy tel talle samewerkings met belangrike galerye, sowel Italiaans as buitelandse, wat in die Monegaskiese gebied en in die nabygeleë Lugano aanwesig is. Hy het deelgeneem aan verskillende skoue in Europa, in die Asiatiese gebied: Hongkong, Seoel, Singapoer en in Amerika: Miami en New York, Sint Petersburg. Sy olieverfskildery word gekenmerk deur 'n teken wat sy werke eksklusief maak, maar sy artistieke eienaardigheid lê in die gebruik van honderdduisende gesertifiseerde Swarovski-kristalle met verskillende diameters wat op gewoonlik swart stutte aangebring word, wat noodsaaklik is vir die verbetering van die glans, lig en kleure van die kristalle. Nie skilderye nie, maar mosaïeke van gekalibreerde en uitgesnyde lig om energie en krag aan die figure te gee. Die kunstenaar is geïnspireer deur postmoderne kuns, toe te skryf aan die oorspronklike stilistiese hersiening, afgelei van die strokiesprent deur Roy Lichtenstein en Pop-Art deur Andy Warhol, wat die 'must' van sy portrette op die BBP's van sy tyd afgedwing het. Die skilder het belangrike opdragte ontvang van illustere Italiaanse families, waaronder die Ferrari-familie, die Montezemolo-gesin en Luciano Pavarotti self. Vir 'n paar jaar word sy kuns ook baie in die buiteland gesoek: in die Prinsdom Monaco vertoon prinses Caroline die werk "l'œvre pop de Monaco" in haar koninklike ateljee. Laaste in chronologiese volgorde, maar nie van belang nie, onthou ons die portret van Peng Liyuan, geklassifiseer onder die belangrikste werke in die private versameling van die Chinese eerste dame. Vandag word Diazzi langs die bekende gesigte van die wêreldse lewe geflankeer deur belangrike sterre wat gevaarlik vergeet word. Ons kan haar definieer as 'n 'diereskilder'; haar portrette reproduseer in werklikheid woeste, koninklike, wilde diere wat na die afgeleide kyker kyk. Gevangenes van die rame, hulle wys, loop en vlieg na ons toe wat toekyk hoe ons hulle uit hul wêreld uitvee. Kuns is 'n behoefte en Roberta Diazzi se behoefte is om hul brul in ons gewete te bring.

GRATIS TOEGANG

Facebook: kunsgalery Zanini Arte


Van plak tot feminisme: wie is Barbara Kruger en wat sy gedoen het vir vroueregte

Ter geleentheid van die wêrelddag teen geweld teen vroue, herlees ons die verhaal van die Amerikaanse kunstenaar: vandag nog steeds 'n verwysingspunt vir kuns wat gebruik word ten gunste van burgerregte.

Die New York Times onlangs verkies Barbara Kruger onder The Greats of the year, plaas dit tussen vyf invloedrykste karakters van 2020 - saam met FKA Twigs, Dawoud Bey, Angela Davis en Sigourney Weaver. As ons aan dink Barbara Krugerdie uwe kom dadelik by my op Opera meer bekend: "Untitled (jou liggaam is 'n beslaggrond)". Dit was 1989 en die wêreld het onder die blik van een geloop vrou waarvan die gesig, halfpad tussen die werklikheid en sy eie polarisasie, die Washington-landskap oorheers het. Die vroue het deur die strate van die hoofstad van die Verenigde State van Amerika opgeruk teen wetgewing teen aborsie, wat gesien het hoe Roe versus Wade in 'n politieke tweestryd opgetree het. Intussen het die rooi strepe op die Kruger-gesig gesê: "Jou liggaam / is 'n / slagveld".

Revolusionêr en ewig met sy eie plakkate Barbara Krueger hy het die mure van New York in swartborde van aktiewe kommunikasie omskep. "Die mure is immers nie net wat dit is nie. Dit is ook wat ons graag wil hê: ondersteuning van hoop, beskerming van die hede" - om dit in Sottsass te stel. In dieselfde jare het die Stad hulle het 'n visioenêre kreet begin versamel: a New YorkDanksy die hulp van haar studente aan die Whitney Museum of American Art se onafhanklike studieprogram, het Barbara Kruger 'n paar maande later die stad met haar manifes opgestel, het die Wexner Center for the Arts aan die Ohio State University haar opdrag gegee om 'n groter weergawe te maak. Haar plakkaat ikonografies was dit so geassosieer met die pro-aborsiestryd dat 'n opponerende groep binne twaalf uur 'n ander een in reaksie opgehang het, wat 'n agt weke oue fetus voorgestel het. Reeds aan die begin van die Negentigs, Barbara Kruger het die gewordkunstenaar-ikoon van vroueregte. En dit het nooit opgehou om te wees nie. Omdat Kruger selfs in die redelik onlangse verlede 'n voorblad van die New York Magazine ter geleentheid van die verkiesing van die voormalige president van die Verenigde State: ons is in 2016 en die gesig van Donald Trump op die voorblad spog met die eerbiedige woorde "verloorder" - protes teen die talle misogynistiese uitsprake uitgereik deur die Amerikaanse magnaat.

Die afgelope twintig jaar het dieKruger se werk het gegroei tot die punt om besoekers in hele kamers van galerye en museums te omhul deur (ook) meeslepende, interaktiewe uitstallings van haar werke. Vandag beteken "om met sy ontstellende duursaamheid gekonfronteer te word ontwapen in die lig van verskille in mag en rykdom (.) En help dit om na te dink oor 'n sekere herhaling van die temas in die geskiedenis", skryf Megan 'O Grady oor New York Times. In Junie vanjaar het die werke wat enkele maande tevore in Los Angeles geskep is, byvoorbeeld gepaard gegaan met die betogings in die naam van George Floyd. Die woorde "Wie koop die bedrogspul?" was die agtergrond vir lyne van mense wat geboei was aan 'n muur langs Sunset Boulevard. Elke soort onreg het aanleiding gegee tot die werke van veroordeling, maar dit is daar vrou die hoofrol in sy artistieke diskoers te verower. Begin van aftakeling van die skoonheid van stereotipe vroulike kanons om die sielkundige druk te openbaar wat vroue dikwels ly - vorms van geweld eietyds, selfs en soms onsigbaar - Kruger het probeer om die tradisionele boodskappe van die adv praat (en praat) met verbygangers in openbare ruimtes. Nee vir die eteriese, perfekte vrou en ja vir die vrye keuse. Feministies? Ja, maar sonder uiterstes. Dit het die huwelik van hul sosiale druk ontneem: dit is moontlik om 'n lewe te lei uit die boks moeder-vrou-huisvrou dit is moontlik om 'n stad met revolusionêre gedagtes te beklee; dit is moontlik om inspirasies te hê; dit is moontlik om nie in diens te wees van veerkragtigheid, besitlikheid, oppergesag en mag nie.

Behalwe al die temas - nou welbekend - van die Barbara waarvan ons hou, moet ons onsself afvra waarom 'n konseptuele kunstenaar, pilaar van analooggrafieke, die plak-op papier en gom in 'n kunswerk, is selfs in die digitale era so aktueel. "Dit lyk asof alles en niks sedert die negentigerjare verander het nie," het die joernalis Megan 'O Grady gesê. In twintig jaar was daar 'n tegnologiese rewolusie, maar die waarheid is dat Barbara Kruger, benewens die tye verwag en die eerste memes in die geskiedenis geskep het, die kort boodskap lewend gemaak het - nie vir advertensiedoeleindes nie, maar vir burgerlike sentiment. Die kortheid, miskien gedikteer deur die voortdurende gebrek aan tyd, is vandag die uitdaging van kommunikasie: twiets van 280 karakters, titels wat gereed is om op te los op die internet, gebroke en vinnige taal. Kruger se bondige, maar intense boodskap het al die kanons van die hedendaagse vertelling gerespekteer en respekteer. Om hierdie rede beskou baie mense sy werk as 'n vorm van bemarking sonder 'n handelsmerk - indien nie sy eie nie. Die kunstenaar het dit vir feministe gesê praat oor feminisme sonder die krag van beelde is byna nutteloos: ons moet 'n ander vorm van skoonheid gee of die gekanoniseerde een losmaak om die ander gesig van vroulikheid te vertel. Sy kommunikasie was 'n wapen wat hy probeer het om oorheersing te vernietig - en dit is vandag nog relevant.

Kruger gee vandag onderwys aan die California Universiteit - sy beskerm haar privaatheid en werk sonder assistente, prakties die Amerikaanse kunsmyn. Toe verslaggewer Megan 'O Grady haar ondervra vir The New York Times Great's Issue, het Kruger toenemend terughoudend geword namate die dag van die onderhoud naderkom. En wat 'n verleentheid om 'n portret te vra om 'n stuk te illustreer vir iemand wat twintig jaar of langer gewerk het en steeds werk vir demonstreer die clichés van die beeld! Barbara Kruger se artistieke produksie het geboorte gegee aan verhale en opstelle soos die een op manlike voorkoms deur Laura Mulvey, Visuele plesier en narratiewe bioskoop (1975) - waarskynlik geïnspireer deur die vroulike borsbeeld in klip gekerf met die titel "Untitled (your blik hits the side of my face)", geteken Kruger-werk wat dateer uit 1981.

"Alle geweld stereotipe", "Die onskuldige. Het niks om te vrees nie", "Wie dink sy is sy?" en weer 'Ons het geen ander held nodig nie', 'Is dit my enigste doel?', 'Versier u gevangenis' - ons het telkens nuwe slagspreuke nodig om die sosiale, politieke en ekonomiese balans te reguleer. Om hierdie rede hou Barbara Kruger nie op om werke te skep wat die ander kant van die (vroulike) muntstuk vertel nie.


GHISI, Theodore

GHISI, Theodore. - Hy is in 1536 in Mantua gebore, waar dieselfde vader Ludovico, 'n handelaar oorspronklik van Parma, dieselfde jaar deur die Spedale 'belê' is met die besit van 'n huis in die Cigno-distrik, wat dan weer in 1576 aan G. bevestig is. in 1590 (D 'Arco, II, bl. 138 e.v., 267).

In die beslissende jare van sy ontstaan, was Mantua 'n stad wat in die skaduwee van die Gonzaga-beskerming van kardinaal Ercole en hertog Guglielmo nog baie kulturele skuld gehad het teenoor Giulio Romano, wat in 1546 oorlede is: sommige meesters, wat in verskillende grade met hom saamgewerk het, of wat in elk geval in direkte kontak met sy werke grootgeword het, het hulle style en modelle voortgesit en sodoende die smaak van die hertoglike hof gevoed. By die vertaling en bemiddeling van topoi giulieschi het die werkswinkel van Ippolito Costa 'n sekere belang gehad, waarin die vakleerlingskap van G. moes voltooi word, na dieselfde ouderdom, en die seun van Ippolito, Lorenzo, en nie by laasgenoemde nie, aangesien hulle laat die bronne verstaan ​​(ibid., I, pp. 78 s.). So het G. geleer om 'n leksikon te gebruik wat deurtrek is van manististiese gevalle wat waargeneem is in die resultate wat behaal is deur die skilderkuns van die katedraal, wat in 1552 geopen is, later geïntegreer is met die Romeinse innovasies wat Lorenzo Costa self na Mantua gebring het, wat tussen Desember 1561 en ' In Oktober 1564 werk hy saam met Federico Zuccari aan die versiering van die casino van Pius IV, en verdiep hy die ervarings wat hy opgedoen het tydens die verblyf in Rome, in Fontainebleau en in Vlaandere, van sy broer Giorgio, ouer as sestien en nog steeds aktief in die gravure kuns. Die samewerking wat G. gelei het om uitvindings te lewer wat grafies deur sy broer vertaal is, is te danke aan 'n verhouding van wedersydse invloed. Dit is wat gebeur het vir die gravure wat Angelica en Medoro uitbeeld, miskien uit 'n skildery van G. wat ontbreek, maar een keer in 'n private versameling in Amsterdam bewaar (Thieme - Becker, p. 565) of, vir die een met Venus en Adonis, dat Giorgio is afgelei van 'n oorspronklike van G., verlore maar gedokumenteer in die Gonzaga-versamelings tot 1627 (Luzio, 1913, bl. 95 e.v.) en bekend deur 'n anonieme eksemplaar wat in die Musée des beaux-arts in Nantes bewaar word. 'N Tekening wat aan G. toegeskryf word, met betrekking tot die detail van die putto met konyn, word in Chatsworth bewaar.

Om die noue bande met die Mantuan-omgewing, en met Costa in die besonder, te bevestig, is dit nie net die Heilige Gesin met s. Giovannino van die kerk van S. Maria di Castello di Viadana, hulde aan die Juliaanse prototipes, verwysbaar aan die einde van die sewende dekade of ten minste aan die begin van die agtste, maar bowenal die altaarstuk met die doop van Christus, wat twee betalings teen 1572 vir die altaar van S. Giovanni Battista in die palatynse kerk van S. Barbara (Gozzi, 1974, p. 91).

Die kerk is deur 'n testament van hertog Guglielmo oor 'n dekade gebou, vanaf die einde van 1562, en was 'n belangrike konstruksieterrein waar kunstenaars onder leiding van G.B. Bertani, argitek van die fabriek en verantwoordelik vir die versiering van die altare, miskien selfs in die verskaffing van modelle aan die skilders. Die skildery van G., een van sy eerste openbare werke, is dus vanuit 'n komposisionele en selfs stilistiese oogpunt binne 'n homogene siklus geplaas, waarvan die "Romeinse" afwykings deels te wyte was aan die plaaslike teenwoordigheid van tapisserieë met die Handelinge van die Apostels. afkomstig van Raphaeles-tekenprente en in 1569 deur Guglielmo geskenk aan die Palatynse basiliek.

As G. hom by die doop van Christus gehou het by die manieristiese skildery van die Romeinse afkoms, het hy homself aandagtig gewy aan die weergawe van naturalistiese besonderhede deur 'n papegaai met 'n uiterste fynheid voor te stel. In dieselfde jare het hy onder meer die twee papegaaie in twee kleure-tekeninge uitgebeeld in die koshuis van die hertogin Eleonora van Habsburg, op versoek van Ulisse Aldrovandi, wat die eklektiese museum van G. beskryf en in 'n klein vertrek in die Te-gebou. Hier is hy as 'voog' (Belluzzi, bl. 69), en sedert 1574 het hy 'n kamer gehad om te verf (The gravures…, p. 20).

In 1872 is die Mantuan-oratorium van S. Antonio onderdruk en vernietig. Onder die meubels was daar twee skilderye wat deur G. gemaak is, die Drie-eenheid tussen ss. Rocco en Sebastiano, nou gevind in 'n skildery wat bewaar is in die Castelvecchio Museum in Verona, onderteken en gedateer 1577, en die vergadering van Joachim en Anna, gevind in die versamelings van die hertoglike paleis van Mantua. Dit is veral in die samestelling van laasgenoemde dat, benewens die gewone Juliaanse formules, ook sterk Nordiese afkoms aangeteken word, ongetwyfeld as gevolg van die noue kontak met sy broer en sy grafiese produksie. As vaderskap bevestig word, kan die prediking van die doper vir die Mantuan-kerk van Ognissanti ook uit hierdie tydperk dateer.

Omstreeks 1579 was die G. aktief in Carpi: op hierdie datum verskyn sy naam in die registers van die Confraternity of Mercy. Van die skilderye wat in Carpi gemaak is, genoem deur Campori (bl. 243 e.v.), The Assumption of the Virgin vir die kerk van S. Giovanni Battista, die Madonna en Child met ss. Nicola en Lorenzo, vir die oratorium van S. Nicola, is nou in die kerk van S. Rocco. In die katedraal is daar die Visitation, uitgevoer vir Luca Paoletti, waarvan die wapen en voorletters in die onderste middel van goeie bewyse verskyn: dit is 'n werk wat, soos die ander Carpi's, gedateer kan word tot die einde van die sewentiger jare. , ook omdat dit, wat die uitvoerende tegniek en die komposisiestruktuur self betref, baie naby is aan die skilderye van 1577 en in die besonder aan die vergadering van Joachim en Anna.

Die kruisiging en die heiliges is teruggebring na die vroeë 1980's, nou in die kerk van S. Martino di Treviglio, maar uit Mantua. Die soliede plastisiteit van die figure word hier geflankeer, veral in die detail van die landskap in die agtergrond, 'n beskrywende ader wat, weergegee met 'n bepaalde chromatiese noot van 'n miniatuur tipe, blyk te wees uit die aktiwiteit wat G. in die veld doen. ter illustrasie van die karakterboek. beide wetenskaplik - dit is die miniatuur van Pier Candido Decembrio se De omnium animalium naturis atque formis wat in die Apostoliese Biblioteek van die Vatikaan bewaar is - en godsdienstig, met die nege oorlewende miniatures van die liturgiese boeke van die Palatynse basiliek van St. Barbara.

G. wat deur die hof betaal is (wat hom ook om advies oor die hertoglike versamelings besoek het), het G. saam met ander kunstenaars aan die onderneming wat deur die here van Mantua verlang is, deelgeneem en kopieë gemaak van portrette van familiekarakters in die vroeë 1980's. die versameling opgestel deur aartshertog Ferdinand van Oostenryk-Tirool, broer van hertogin Eleonora, wat vroeër in die Ambras-kasteel bewaar is en vandag in die Kunsthistorisches Museum in Wene. Sy werksaamheid as kopiïs, aangemoedig deur die talle Gonzaga-kommissies, veral in die negentigerjare, het daartoe gelei dat hy kopieë maak vir die Capilupi-familie, wat nou versprei is, uit die reeks keisers wat deur Titian vir Federico Gonzaga geskilder is. Beter geïdentifiseer (Tellini Perina, 1979 , p. 243), en in Mei 1590 weer 'n reeks keisers (Bertolotti).

Die herorganisasie wat deur hertog Guglielmo van die magsplekke bevorder word, moet binne 'n algehele politieke program geplaas word: naas die hertoglike paleis, die kasteel van Goito, wat in die agtiende eeu vernietig is. Die "beroemdste en beste skilders wat terugtrek" ('n beskrywing ..., p. 272) het aan die versiering van die kamers deelgeneem. G., wat saam met Ippolito Andreasi die tekenprente in Palazzo Te voorberei het, word gedokumenteer in die Victory-kamer van Guglielmo se woonstel, waar hy enkele skilderye van dinastiese historiese onderwerpe gemaak het wat in die groot doeke van die Opočno-kasteel herken is, nie ver van Praag: die eed van Luigi Gonzaga, die geveg tussen die broers Ludovico en Carlo Gonzaga, en met meer twyfelagtige toeskrywing (Berzaghi, 1985, p. 53), 'n feit van die Gonzaga-huis. G. Die aksie hoofsaaklik op die voorgrond geprop met klein figuurtjies, het G. beslis aan die eise van 'n dinastiese vieringsprogram voldoen, maar sonder om die naaste en illusterste presedent in ag te neem, bestaande uit die doeke wat Tintoretto gemaak het vir die nuwe kamers wat deur Guglielmo in die hertoglike paleis.

Aan die einde van 1587 word die G. na Graz geroep, na die aartshertog Karel II van Stiermark, broer van die hertogin Eleonora, as kunstenaar wat die hof betaal. In die eerste belangrike kommissie was G. besig met die uitvoering van die Symbolum apostolorum, onderteken en gedateer 1588, en bewaar in die Landesmuseum Joanneum in Graz.

In die beskouing daarvan as 'n geïllustreerde bladsy (syvierkante, sommige allegories, ander met Stories of Christ, die hantering van die Glorie en die sentrale paneel met die Skepping van Eva), toon G. al sy kenmerke aan: 'n skilder wat aandag gee aan naturalistiese gegewens in die weergawe. van diere wat altyd getrou is aan sy Raphaelese klassisistiese oorsprong, waaruit die meeste skemas gebruik word in die klein panele van 'n maklike miniatuuragtige aar, versigtig om Vlaamse invloede te versamel. Die aanvaarding van die skema van die "raaisels" van die Rosekrans het die verklaarde didaktiese bedoeling van die skildery vergemaklik en sodoende instemmend met die versoeke van die aartshertog wat besig was met 'n werk van Katolieke herstel in sy Staat.

Die skildery moes beantwoord aan die verwagtinge van die kliënt, soveel so dat die G. in dieselfde jaar 1588, soos ook herinner aan 'n inskripsie op die kluis, in die weelderige mausoleum wat die aartshertog Charles vir homself en vir hom gebou het, gewerk het. sy vrou Maria di Baviera, geheg aan die basiliek van Seckau. Die versiering in sy geheel is aan G. te danke, hoewel hy hulp gehad het, waar al die voorstelle van Raphaelesque en selfs Corresque-matriks gereduseer word tot grammatikale formules, tot gekodifiseerde retoriese topoi.

Die skilderye van die twee dwarskluise wat die plafon vorm met die Maagdveronderstelling en die Triomf van die Kerk, is te danke aan G., die altaarstuk met die gedaanteverandering geflankeer deur pilare waarin die vier evangeliste die groot paneel aan die sywand voorstel. bo die senotaaf met die episode van Sinitiese parvulos. 'N Ware familieportret, waarvoor 'n argaïese, maar effektiewe parataktiese skema gebruik is, verteenwoordig 'n onderwerp wat ook opgeneem is in 'n doek wat in die Joanneum in Graz bewaar is en terselfdertyd deur G. uitgevoer is, alhoewel met groter komposisievryheid. Een van die komposisie-eienskappe van G. bly egter konstant, naamlik die kansellasie van die tussenvlakke wat 'n gaping tussen die horison en die vlak onmiddellik naby die waarnemer skep.

Nog steeds vir die hof het G. in 1587 die portrette van die aartshertoge, wat nou verlore geraak het, en die fresko's van die hofkapel in Graz, wat Morpurgo (p. 54 en pl. LXXXIX) nie meer op die terrein onthou het nie, geskilder. Alhoewel Karel II hom in 1589 'n annuïteit van 100 blomme per jaar toegeken het, was G. in 1590 terug in Mantua. Die kontak met Graz is egter nie beëindig nie, as die hertog van Mantua Vincenzo in 1599 by G. ingetree het om 'n skildery van Luca Longhi vir die aartshertogin Maria te kopieer wat sy in die abdij van S. Benedetto di Polirone gesien het (Luzio, 1913, p. 95).

Sommige ongedokumenteerde skilderye, maar verwysbaar na hom, en 'n oomblik onmiddellik na sy terugkeer na Mantua, word sterk beïnvloed deur die ervarings wat G. in Stiermark verouder het, en bowenal deur 'n sekere archaïsme van die voorstelling. La Maddalena della chiesa di S. Martino conferma le sue singolari doti coloristiche, come pure il Salvator Mundi della chiesa di S. Barnaba, dove lo sfondo di rovine può essere messo in relazione con i quadri realizzati in Stiria, ma anche con alcune stampe del fratello. Una tale sensibilità verso il rovinismo compare anche nella Madonna con Bambino del capitolo della cattedrale mantovana, ancora riferibile al G. e alla fine del nono decennio. A una fase più avanzata dovrebbero invece risalire due dipinti in collezioni private mantovane, l' Estasi della beata Osanna e il Gesù e le Marie (Tellini Perina, 1979, pp. 265-268).

All'inizio degli anni Novanta il G. lavorò nel duomo di Mantova insieme con Ippolito Andreasi. Condotta su iniziativa di Francesco Gonzaga, vescovo di Mantova, dal 1593 profondamente impegnato nella riforma della diocesi, l'impresa si estese alla decorazione ad affresco della cappella dell'Incoronata, del transetto e della cupola, nonché alla fornitura di cartoni per gli arazzi donati alla chiesa dal vescovo nel 1599.

Gli affreschi della cappella, con la Pentecoste e la Morte della Vergine sulle pareti e l' Assunzione nella volta, sono caratterizzati da un impianto di ampio respiro, e da una monumentalità senza fasto che si ritrova nei riquadri delle pareti del transetto, dove sono dipinti, in un intento ancora dichiaratamente dinastico, gli episodi più illustri della Chiesa mantovana. Esiti "neo-feudali" (ibid., p. 258) sono più evidenti qui che non nel resto della decorazione del transetto, negli ovali e ottagoni della volta con i fatti degli Ordini domenicano e francescano, o nella cupola, dove è rappresentato il Paradiso con i cori angelici .

Sottoposta a un programma dettagliato, questa parte della decorazione del duomo mostra una omogeneità stilistica tale da rendere poco agevole l'individuazione delle pertinenze specifiche del G., qui attivo fino alla morte. L'opera sarebbe stata proseguita dal solo Andreasi.

Già malato di gotta, il G. morì a Mantova nel 1601 e fu sepolto nella chiesa di S. Marco nella tomba da lui stesso fatta costruire. Lasciava Caterina, sua moglie, e il figlio Ludovico (D'Arco, II, p. 267).


TOMAS SARACENO: VITA E OPERE RIASSUNTE IN MINUTI (DI ARTE)

1. Tomás Saraceno è un artista, architetto e performer, considerato uno dei più importanti artisti contemporanei del Sud America. Nasce a San Miguel de Tucuma in Argentina nel 1973, ma trascorre alcuni anni dell’infanzia in Italia, per poi far ritorno in Argentina e studiare architettura e arte a Buenos Aires.

Nel 2001 torna in Europa e si iscrive alla Städelshule di Francoforte (una scuola di arti applicate molto selettiva) allora diretta da Daniel Birnbaum, mentre nel 2003 frequenta il corso di Progettazione e Produzione delle Arti Visive allo Iuav di Venezia tenuto da Hans Ulrich Obrist and Olafur Eliasson.

2. La formazione di Saraceno si è sempre contraddistinta per essere a cavallo tra architettura, arte e scienza. Infatti al di là degli studi artistici, nel 2009 raffina gli studi presso l’International Space Studies Program della Nasa nella Silicon Valley.

Nel 2012 è stato il primo artista residente al Center for Art, Science and Technology (CAST) al prestigioso Massachusetts Institute of Technology (comunemente chiamato MIT), mentre nel 2014 ha fatto una residenza al Centre National d’Études Spatiales (2014–2015) a Parigi.

3. La prima partecipazione di Saraceno ad un’esposizione internazionale avviene alla Biennale Architettura a Venezia nel 2002 (a cura di Deyan Sudjic).

Da quel momento nascerà un rapporto particolare con la Biennale di Venezia (sia quella di Arte che di Architettura) che culminerà con numerose partecipazioni, sempre apprezzate: nel 2003 (Biennale arte a cura di Francesco Bonami), nel 2009 (Biennale Arte a cura di Daniel Birnbaum), nel 2014 (Biennale Architettura a cura di Rem Koolhaas ) e nel 2019 (Biennale Arte a cura di Ralph Rugoff ).

4. Una delle più grandi fonti di ispirazione di Tomás Saraceno sono i ragni e le ragnatele. È stato il primo infatti ad utilizzare uno strumento in grado di misurare, scansionare e digitalizzare in 3d una ragnatela.

Nel 2010 alla Bonniers Konsthall di Stoccolma presenta 14 Billions un’installazione in cui per la prima volta nella storia viene presentata la scansione tridimensionale di una ragnatela, di una vedova nera. Le sue ricerche sui ragni proseguono tuttora nel suo Arachnid Research Lab.

5. Un’installazione di grande impatto dedicata alla ragnatela è In Orbit presentata nel 2013 nella piazza Ständehaus di Düsseldorf, o per essere più precisi sulla piazza. Perché In Orbit è una grande ragnatela contenente delle sfere di 2.500 mq suddivisa in tre livelli, sospesa a più di 25 metri dal suolo completamente abitabile.

I (coraggiosi) visitatori potevano salirci e vedere la piazza dall’alto come se volassero. Come per le ragnatele, ogni visitatore che saliva, modificando la tensione dei fili generava una vibrazione percepita da tutti i presenti. L’idea di Saraceno era proprio riuscire a dare agli spettatori una percezione dello spazio tramite la vibrazione della struttura, come accade per i ragni.

6. Un’installazione dal concetto simile, On Time Space Foam(il titolo è preso da un’espressione usata dal fisico Paul Davies riferita alla teoria dei quanti) è stata presentata nello stesso anno all’hangar Bicocca di Milano, a cura di Andrea Lissoni.

Si tratta di un’installazione praticabile fatta di membrane poste a 20 metri dal suolo, in cui gruppi limitati di visitatori potevano tuffarsi e muoversi come se fosse un enorme dirigibile/nuvola. L’effetto di chi osservava dal suolo era quello di una grande membrana organica i cui movimenti dei fruitori rendevano viva.

7. Lo spazio e la gravità sono altri temi ricorrenti in Saraceno. Il suo progetto Cloud Citypresentato nel 2011 all’ Hamburger Bahnhof di Berlino era ispirato a cupole geodetiche di Buckminster Fuller e ai fantastici giardini sospesi di Alex Raynold.

L’installazione consisteva in Diverse sfere, simili a gigantesche bolle di sapone con all’interno piante e piccoli giardini. Alcune erano sufficientemente grandi da permettere al fruitore di entrare e vivere un’esperienza di sospensione.

8. Cloud Cities è parte di un progetto più ampio in cui Saraceno immagina di poter ricreare una città transnazionale ed ecosostenibile tra le nuvole ispirandosi a bolle di sapone e ragnatele.

Un’ispirazione che si avvicina molto alla progettazione utopica di studi di architettura come gli Archigram, gruppo di avanguardia che negli anni ’60 ipotizzavamo strutture visionarie ed utopiche che dovevano influire sullo stile di vita degli abitanti. Non è un caso che nella sua formazione alla Städelshule di Francoforte Saraceno abbia studiato anche con Peter Cook tra i fondatori degli Archigram.

9. Il cielo rientra anche nel grande progetto di Tomás Saraceno dal titolo Aerocene, presentato durante la Conferenza sui Cambiamenti Climatici al Gran Palais di Parigi nel 2015. Si tratta di un progetto che fa alzare in volo e fluttuare in cielo sculture volanti ad emissioni zero. Tutto avviene grazie al calore del sole e alle radiazioni infrarosse emanate dalla Terra. Il progetto è tuttora attivo ed in continua evoluzione.

Nel gennaio 2020 Aerocene Pacha ha fatto decollare e riportare a terra una persona con un viaggio in una mongolfiera a totale emissione zero.

10. l progetto Aerocene mira a sensibilizzare la gente ad immaginare un mondo ecologista e senza emissioni, creando una comunità open-source con cui collaborare e immaginare nuove pratiche. Sul sito ufficiale del progetto è possibile entrare a far parte della community.

La mostra

“Tomás Saraceno – Aria”
Al Palazzo Strozzi di Firenze
fino all’1 novembre 2020


Video: Kunstenaar Marianne Rouws vertelt haar verhaal